Dans mon post précédent sur James Turrell au Guggenheim etRobert IrwinDe re-installation deCanevas Veil-rectangle noir-Lumière Naturelle, 1977 au Whitney (Juin 27 septembre 1, 2013), J’ai suggéré que Irwin aurait pu prendre Marcel BreuerDe fenêtre trapézoïdale comme point de départ, étant donné que étroit cadre noir de la fenêtre semblait partager à la fois la couleur et la dimension de sa longue barre horizontale et la bande noire peinte qui fonctionne, aussi horizontalement, autour des murs. Quand j’ai écrit au musée pour des mesures exactes, cependant, On m’a dit “les conservateurs sont au courant d’aucune corrélation entre le faible [cadre] sur la fenêtre et la largeur de la bande noire. “Connaître l’observation précise inhérente au travail de Irwin,J’ai décidé de mettre la question à l’artiste lui-même. Ce faisant, je pénétrais ce Irwin pensait quand il est entré dans la galerie Whitney 35 il ya des années, et comment la philosophie qui a conduit cette pièce est encore en jeu dans son travail aujourd’hui. Ce qui suit est d’une conversation téléphonique sur Septembre 3, 2013.
Robert Irwin, Canevas Veil-rectangle noir-Lumière Naturelle, 1977 (réinstallé).Photo: Vaughn Tan
CD: J’ai écrit dans mon post que la fenêtre, dont le cadre noir correspond à peu près les éléments que vous avez ajoutés, semble être votre point de départ. Vraiment?
RI: Pas. La première chose qui m’a frappé quand je suis entré dans la chambre à la Whitney, était le sol noir. Puis il ya le plafond, pas beau, mais un facteur, et la qualité de la lumière provenant de la fenêtre, la façon dont il se désintègre au-dessus de la longueur de l’espace. Et, bien sûr, la taille de la pièce – une pièce vide de cette échelle est quelque chose que vous ne rencontrez pas généralement à New York. La fenêtre est la vengeance de l’architecte; les angles sont un point de vue idéal pour les bâtiments à travers la rue, et il a un élément pictural, qui font qu’il est presque impossible de montrer une peinture il. La plupart du temps ils à cacher la fenêtre. La fenêtre est un détail, mais pas un capital.
Normalement, lorsque vous entrez dans la salle, vous prenez un chèque-la première responsabilité de la perception est pour éviter d’être tué-si vous vérifiez les coordonnées, rapidement. Mais j’ai fait quelque chose au Whitney qui ne distingue pas, qui a été peindre le mur en face de la fenêtre une ombre qui est considérablement plus brillante que les autres murs, si vous étiez à mettre de la lumière dans la chambre la nuit, vous verriez qu’il s’agissait d’ 65% gris. Ainsi, lorsque vous venez dans, vous savez que quelque chose ne tourne pas rond, mais seulement de manière subliminale.
La situation a été l’occasion de faire une déclaration à propos de l’idée de «conditionnel», ainsi que la façon, et de quelle manière, les actes conditionnels dans le monde.
Qu’entendez-vous par «conditionnel»?
Au lieu d’être dans le studio et concevoir les choses, l’artiste isolé dans le cadre, l’idée est que l’observateur peut traiter avec le monde lui-même et faire toutes sortes de jugements de valeur, engager l’auto cognitive à prendre des décisions dans le monde. J’ai été intrigué par l’idée que plutôt que de créer une métaphore, un artiste peut fonctionner directement dans le monde ….
… Et éliminer le «cadre,», Qui comprend le texte de la paroi, étiquettes-tout l’attirail qui désigne une chose comme “art” et le sépare de la vie.
Oui, dans mon tout premier spectacle au MoMA, avec Jenny Licht retour dans 1970, ils ont mis une étiquette sur le mur et je engagé quelqu’un pour venir et l’enlever. Alors, quand vous êtes entré dans la salle, il fallait passer par le processus de vous demander “Est-ce chose terminée? Est-il prévu?”
Il s’agit d’utiliser les mêmes éléments dans le musée et le monde extérieur, faire quelque chose, mais pas vraiment faire quoi que ce soit, juste le faire remarquer. Si nous prenons l’histoire de l’art moderne comme une question, ne “faire” “art” égalité? Est-il nécessaire de faire quelque chose ou peut-il être sur le fonctionnement dans le monde tel qu’il est? J’ai juste pris un peu plus loin, il.
La seule chose qui distingue chacun de mes étudiants de l’autre est une sensibilité individuelle; mon travail en tant que professeur est de les aider à trouver ce que l’élément clé, et développer. Je viens donc à une situation et d’ajouter à ce dialogue existant de ce qui est au cœur de mon être un artiste.
Je ne suis pas un paysagiste, mais fait un jardin au Getty. La même chose avec la conception de la Jour:Balise. Je ne suis pas un architecte.
J’ai récemment eu une conversation avec un artiste, et quand je lui ai dit que vous avez conçu le Dia:Balise, dit-il, “Mais il n’y a rien. Il n’a pas vraiment quoi que ce soit “. Il voulait dire que votre signature n’était pas sur elle. J’ai pensé que vous voudriez que.
Quand je pense à un espace, Je n’ai pas à lui apporter d’autres types de raisonnement abstrait.
Le Dia n’agit pas comme une œuvre d’art. Quand les architectes de concevoir des musées, ils créent des pièces majeures de la sculpture. Au début, ils ont des intentions pures, mais quand il devient la grande entreprise, ils commencent à agir comme s’ils sont des artistes. C’est contraire à l’éthique de construire un bâtiment qui ne fonctionne pas.
Donc, pour en revenir à la Whitney, il ne peut pas être une coïncidence que le cadre autour de la fenêtre correspond à la barre et bande de peinture.
Pas, Bien sûr que non. La fenêtre est certainement un élément dans le vocabulaire. Et il n’y a que quelques autres dans cet espace: le sol, la désintégration de la lumière sur l’espace, le plafond. De ceux de la désintégration de la lumière était probablement l’aspect le plus attrayant pour moi. La lumière est un sujet qui passe par cet exercice extraordinaire sous vos yeux, qui le canevas se multiplie…parfois opaque, parfois transparent.
Il est intéressant que votre spectacle a coïncidé avec Turrell est au Guggenheim – Impliquant toutes deux l’espace, lumière, l’architecture emblématique ….
Mais ce n’est pas juste de comparer le travail actuel de Turrell avec quelque chose que j’ai fait 35 Il ya 35 ans-ans est une longue période dans une vie. Et quand je l’ai fait, c’était comme si je jetais un rocher dans un étang et il y avait pas de rides. Maintenant, c’est une cause célèbre; il a juste pris autant de temps pour revenir à moi. La même chose avec une colonne que j’ai fait en 1971, c’est juste maintenant trouvé une maison dans la San Diego Federal Courthouse.
Je peux comprendre pourquoi, bien que. Lors de l’exposition que j’ai vu à MCA de Chicago dans 1975, vous avez deux pièces: le coin de canevas et qui était tout simplement à mon esprit à l’époque, une barre noire courir autour de la piste. J’ai été extrêmement touché par la pièce de canevas, mais il était trop tôt dans ma vie comme un artiste pour moi de comprendre l’autre. Maintenant, je voudrais obtenir en un éclair. Peut-être que les gens sont tout simplement en train de rattraper.
Robert Irwin, Musée d’art contemporain, Chicago, 1975.
Pour en savoir plus: Carol Diehl, “Robert Irwin: Portes de la Perception,” Art in America, Décembre, 1999.
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