Le Dilly Dally

Je pense à quitter New York tout le temps. Je veux dire que je l’aime, Je suis tout à fais, mais chaque fois que je visite un nouvel endroit tout ce que je peux penser est “ce que les eff suis-je encore en train de faire ici?”. Je m’ennuie des arbres. Je m’ennuie de la plage. Je m’ennuie de la capacité de sauter dans une voiture et conduis où diable je veux. Je m’ennuie de ne pas penser à faire dans le monde, je vais porter toutes ces épiceries à la maison sans mes bras étant mal pendant deux semaines. Mais alors comme une tarte surprise sur le visage, NYC me montre comment magique, comment peu effrayant, et comment mystérieusement il est génial.

Prenez il ya quelques semaines par exemple. J’étais ACME studio, la maison de parti le plus fou studio photo / maison prop que je répondre à, pour leur parti et les choses de congé annuel sont totalement rad. Il y avait des visages amicaux, cocktails impressionnants, une caméra slo-mo attraper quelques coups fous comme celui-ci, et bien sûr Un lama nommé Pierre. Parce que ce qui est une fête de Noël sans un animal de basse-cour? Moyenne, c’est ce que.

Le parti a été poppin, certes, mais mon intime Brian et je voulais un peu d’air frais si nous mettons sur nos manteaux gonflés et bravé le froid. En face de l’ACME est un autre studio appelé Villan. Et Villan a été une fête trop, si nous faufilé pour voir ce qu’il en était. Dès que nous sommes arrivés à l’intérieur, nous avons fait la queue pour rhum gratuit (SCORE!) puis se dirigea vers la piste de danse. En raison de mon incapacité à ne pas danser quand j’entends la musique électronique, J’étais totalement aveugle à la DJ et ne pense même pas à regarder. J’étais trop occupé autour boppin, throwin mes mains, lecture’ mon verre partout, et il droppin commeje sais danseril fait chaud. Duh.

Puis tout d’un coup mon copain dit quelque chose et je ne comprends pas parce que la basse était si fort. Je suis son regard vers la scène et devinez qui était là-haut?? JAMES MURPHY! Vous savez, le cerveau de la musique électronique, le fondateur de DFA records, et surtout plus le cerveau derrière LCD Sound System! Je suis vraiment très content. J’ai presque fait pipi mon pantalon et fait avec la personne à côté de moi en même temps. Vous voyez, J’avais été un fan de LCD Sound System depuis comme 2005 ou quelque chose comme ça, mais je n’ai jamais eu à les voir. La nuit ils ont joué leur dernier spectacle à Madison Square Garden, (qui a vendu instantanément… wah.) Je me suis assis à la maison tout déçu que et pleuré dans un bol de purée instantanée. Thent il ya quelques semaines, Je l’ai vu DJ. Après la séparation du groupe, Je n’ai jamais pensé que je verrais les exécuter et même si il était juste à mixer un ensemble, il était encore tellement inattendu et magique – Je ne l’oublierai jamais.

Et je ne dis pas que New York est le seul endroit où ce genre de choses arrive, mais il est certainement l’endroit où ce genre d’illuminée est le plus susceptible de se produire. Et à cause de cela, Je ne vais pas n’importe où. (Vous avez dit FOMO?) Au moins jusqu’à ce que quelqu’un paie pour moi de passer à San Francisco… alors je vous laisse. Mais oui, de toute façon, vous devez savoir ce fromage grillé parce que c’est totalement absurde et inexplicable délicieux. Ricotta fraîche etHumboldt Fog (à partir de Whole Foods), quelques tranches de prosciutto super mince, conserves de cerises, un oeuf de canard poêlé – ouais c’est vrai – et certains roquette fraîche empilés sur levain créer ce digne sandwich à New York qui est également tout à fait inoubliable.

Ingrédients:

- Ricotta fraîche
- Humboldt Fog
- Prosciutto super mince
- Confiture de cerises
- frit oeuf de canard
- Roquette
- Pain au levain
- Beurre salé

Donc, pour commencer, s’écrouler une partie de ceHumboldt Fog. Ce fromage est impressionnant et est un de mes favoris de tous les temps – et ce n’est pas seulement en raison de d’où il vient. Il a obtenu le profil de saveur d’un fromage de chèvre typique, mais il a aussi une couche de cendres qui rend le goût plus intense. C’est-y citron, floral-y, et crémeuse majorly. La couche externe a une consistance visqueuse qui contraste parfaitement à son centre plus crayeux. Si vous ne pouvez pas dire, J’adore, tout simplement.

Et parce que Whole Foods m’a donné de l’argent pour acheter les ingrédients, Je dois vous dire au sujet de leur nouvelle sélection de fromage américain fait qu’ils sont reppin. Ils portent maintenant certains de mes favs comme Gran Queso de EMMI Roth USA (Wisco dans la maison!), MT TAM de Cowgirl Creamery, Asiago de SAXON Creamery, et Bonne Bouche du Vermont Butter Creamery. Trucs assez excitant si vous n’avez pas un magasin de fromages de spécialité autour de vous!

Maintenant, ajoutez un peu de prosciutto! C’est salé, smokey, et fond dans la bouche. Le plus mince que vous avez à votre boucher tranche il, le mieux. Sérieusement, il n’y a rien de grossier une grosse tranche de prosciutto ole de… Pour une raison, il baise juste avec la saveur. Avec cette petite friandise, assurez-vous de ne pas ajouter trop de prosciutto. Il vous reste plus qu’à détruire le sandwich. Je dirais que l’utilisation comme 4 tranches au plus.

Maintenant salir la ricotta fraîche sur le morceau restant de pain et mettre sur le dessus. Le sandwich a juste besoin d’être grillé à ce point.

Beurre des deux côtés, et transformer votre brûleur à moyen. Laissez le grill sandwich jusqu’à ce que le fromage commence à fondre puis retournez – faire en sorte que les deux parties sont tout aussi croustillant et doré. Ensuite, retirer de la poêle et laissez-le refroidir.

Alors que le sandwich est assis, frire rapidement votre œuf de canard! J’ai utilisé un oeuf de canard parce… pourquoi pas? Les œufs de cane sont ultra crémeuse, un peu plus grand, et super-riches. C’est comme un oeuf de poule vieux régulier, mais avec beurre pompé en elle… au moins à mes papilles.

Lorsque le blanc d’œuf est cuit et le jaune reste liquide, prendre doucement la partie supérieure du pain hors du fromage grillé et placer l’œuf de canard sur votre sandwich – puis de haut avec roquette fraîche. La morsure poivrée de ces verts fera le sandwich ont une profondeur supplémentaire de saveur. Alors maintenant, toutes les saveurs sont là – salé, crémeux, poivré, doux, aigre, riche, délicieux,irrésistible, umami-esque… vous obtenez.

Maintenant sur de que tout, aller de l’avant et ajouter l’autre morceau de pain de retour au sommet et le couper en deux! Regardez comme le jaune d’oeuf descend le sandwich et l’enrobe dans cette bonté de beurre. Oh mon dieu, pouvez-vous croire ce que vous êtes sur le point de manger? YAH! High 5s!

Alors oui, jetez un oeil à ce mauvais garçon. Non seulement il est absolument magnifique, mais les rideaux correspondent à la moquette… ou quoi que ce dicton est. Cela fait-il sens? Je veux dire qu’il est beau et a un goût trop humide! Haha. Quoi qu’il en soit. bien, Jouir!

xoxo,

GCS

Couleur-Espace-Temps, Janet Kurnatowski, Brooklyn, New York, Septembre 10 Octobre 11, 2009

Art Gallery - Gallery Art

Gilbert Hsiao, “Aller and Flow,” Espace Minus, Brooklyn, New York, Du 27 avril au Juillet 16, 2012

Art Gallery - Gallery Art

Douglas Melini, “Un partage de la couleur et de faire partie de lui”, Feature Inc, New York, New York, Juillet 10 Août 11, 2012

Art Gallery - Gallery Art

“Nouveaux matériaux, Nouvelles approches,” D.Wigmore Fine Art, Inc, New York, New York,

Mon Levinson, Julian Stanczak, et Leroy Lamis


Julian Stanczak, Brim Deux, huile sur plastique, 36″ x 36″

Leroy Lamis, Construction Non. 159, (1968), Plexiglas rouges et blancs, 16″ x 16″ x 8″

Mon Levinson, Avions Déménagement positifs IV, (1965)Plexiglas et médias mixtes, 24 pouces x 24 pouces x 3 pouces

Medical Center de Cohen enfants, New Hyde Park, New York

Je suis impatient de commencer à travailler sur trois grandes œuvres d’art public de la nouvelle aile de l’hôpital au centre médical de l’Cohen enfants à New Hyde Park, New York. Ce travail est en cours de création avec les patients à l’hôpital et est entraînée par Le Groupe Rockwell et Musée des éditions – avec le soutien de Déplore Galerie. Les dessins de poissons et de coraux ci-dessus seront compilées ensemble et découpé au laser en acier ou en aluminium. Les sculptures seront suspendus au plafond dans la nouvelle zone service des urgences en attente.

Christine Aaron Shannon: Larchmont, New York

Christine Aaron Shannon

1. S’il vous plaît partager un peu de vous. Où avez-vous grandi et ce (le cas échéant) avait des influences précoces sur votre travail?

J’ai grandi à Long Island à New York. Mes parents ont toujours encouragé la créativité et le jeu.. Ma maman fait en sorte que nous sommes allés à des musées et des restaurants internationaux à New York. Mon père jouait de la trompette (et le fait encore) et ma mère était très créative conception-sage. Je suis l’un des quatre enfants. Nous ne sommes jamais allés au camp d’été et il y avait peu d’activités de l’après-midi jusqu’à ce que nous ayons atteint l’école secondaire. En conséquence, ma petite sœur et moi, nous nous divertis par la création de jeux, faisant forts, créer cachettes secrètes, coudre des costumes et imaginer ensemble d’autres mondes. Je pense que l’expérience de créer quelque chose d’idées dans nos esprits favorisé à la fois l’imagination et de vive l’autonomie. J’habite à Larchmont, New York.

Arbre Muse IImonotype lithographique, papier asiatique, rouille impression

encaustique sur panneau 24 x 18

2. Avez-vous reçu une formation en art? Si oui, où et ce qui ne vous majeur dans?

Je n’ai pas reçu de formation en art. Ma maman a été diagnostiqué avec une maladie chronique quand j’étais 14 et elle est morte quand j’étais 23. Je pense que cela a eu un impact significatif sur mon choix de carrière. Il n’est pas un hasard que j’ai choisi de poursuivre le travail social, et ma petite sœur est devenue infirmière. J’ai reçu un B.S. en éducation de l’Université de Cornell et de ma maîtrise en travail social de Hunter College à New York. J’ai pratiqué le travail social depuis plus de 10 ans. Je pense que ces expériences se retrouvent dans et influent directement sur les thèmes que j’explore dans mon œuvre aujourd’hui.

Forêt Muse

lithographe, papier asiatique, encaustique sur cuivre patiné, 24 x 24

J’ai dessiné et peint à l’aquarelle au lycée et j’ai pris quelques cours de dessin au collège. J’ai toujours été intéressé par l’écriture créative et l’art, mais senti ni étaient “viable” options de carrière. Quand ma plus jeune fille était d’environ un ans, J’ai commencé à prendre une classe d’aquarelle de soirée. Dans un an, je faisais des expériences avec les médias mixtes. J’ai pris mon premier cours de gravure quelques années plus tard, et mon premier atelier à l’encaustique avec Laura Moriarty dans 2003. Depuis lors, J’ai pris de nombreux ateliers à l’ Centre de la gravure contemporaine (PCC) à Norwalk (par exemple, un fantastique classe marque de décision avec Lori Glessner), à une RF Peintures (avec Lisa Pressman), ainsi que l’un-à-un des tutoriels avec des artistes dont le professionnalisme et l’enseignement des compétences que je respecte. Quelque part dans ce premier couple d’années, j’ai réalisé que j’étais au défi intellectuel, et créative et activement engagés dans le processus de la création artistique et a commencé à travailler en vue de devenir un artiste à temps plein. Je ne me sens que je suis constamment en train de “se lever à la vitesse” l’apprentissage et le remplissage dans tout ce que je manqué de ne pas avoir un diplôme en art.

Soirée II

lithographie sur le miroir de 16 ans×24

3. Quel est votre travail actuel sur? 

Mon travail se concentre sur les thèmes de la mémoire, perte, le passage inexorable du temps et la fragilité des rapports humains. Les images d’arbres conduit ces thèmes. Arbres marquent le temps; ils servent de métaphore pour le cycle de vie, les symboles de la dormance et la croissance, force et de renouvellement. Arbres détiennent le record de leur vie dans leurs anneaux. Ces marques internes restent cachés de la vue–la façon dont les êtres humains détiennent dans la physique, marques mental et émotionnel de l’expérience personnelle.

Ce contenu intellectuel et émotionnel guide directement mon choix des matériaux et l’utilisation de la technique et de l’imagerie.

Tempête

monotype lithographique 24 x 18

Je choisis des médias où les traces du processus restent dans le travail. Gravure et encaustique me permettent de développer par la superposition beaucoup la façon dont la perception humaine et les souvenirs sont formés, et transmettre un sentiment visuel de l’acte archéologique de recueillement. Je intégrer, couche, déconstruire et reconstruire des images se rapprochant de la façon dont nous revisitons, et de réévaluer nos souvenirs et les expériences. Par exemple, Je rouille et d’oxyder des substrats métalliques afin que le temps lui-même devient une partie intégrante du travail accompli. Je travaille sur le miroir parce que la perception de la pièce par les déplacements des spectateurs selon le point de vue au cours de laquelle il est considéré. Mon exposition solo actuelle marque ma première incursion dans les travaux d’installation. Le concept de l’installation est né de mon désir de permettre au spectateur de s’immerger physiquement et par l’expérience dans le travail et contient un morceau audio ainsi que la capacité de marcher à travers la pièce elle-même. Espérons que le spectateur devient engagée dans ce monde et est encouragé à se plonger dans le travail et leur propre expérience de plus profondément.

4. Quelle est votre espace de travail comme?

Pendant de nombreuses années, j’ai travaillé dans ma salle à manger. Sur 7 ou 8 il ya des années, J’ai déménagé dans un studio à Port Chester, New York. Il ya un certain nombre d’artistes dans le bâtiment mais malheureusement nous sommes dispersés dans de nombreux étages et les coins que le bâtiment prend un bloc entier. J’ai partagé un studio avec 3 autres artistes pour 5 ans. Il ya deux ans et demi j’ai emménagé dans mon propre espace. J’apprécie vraiment étalement, et ayant le luxe de travailler sur beaucoup de choses à la fois. J’ai trouvé que mon espace élargi, ainsi que ma capacité de penser plus “largement.” Je suis avant tout un artiste de médias mélangés, avec mes médiums actuels de choix étant la gravure et l’encaustique. J’ai une pleine taille Charles Brand presse, et une mise en place de palettes à l’encaustique et le système de ventilation professionnelle dans le studio. Ainsi que de nombreux autres «outils du métier” pour ainsi dire! Je suis maintenant mourais goulûment plus d’espace.

L’atelier de Aaron à Port Chester (ci-dessus et ci-dessous)

5. Êtes-vous impliqué avec des groupes ou des communautés artistiques? Si oui, qu’est-ce que vous gagnez de cette affiliation et qu’est-ce que vous participez à ce?

J’appartiens à un certain nombre d’organisations d’art vraiment formidable. Le Centre for Contemporary gravure (PCC), Silvermine Art Guild, Mamaroneck Artists Guild (MAG) et l’Association nationale de la femme Artistes (Combien). De plus, j’ai assisté à la Conférence internationale Encaustique (créée par Joanne Mattera et maintenant co-courir avec Cherie Mittenthal) il ya quelques années (et chaque année depuis). La conférence s’est révélée pour moi d’être une terre riche de rencontres et d’interagir avec un grand nombre d’artistes professionnels, et a conduit à des groupes d’artistes de soutien en ligne où nous sommes en mesure (à travers le pays) à part les questions relatives à notre pratique de l’art ainsi que de discuter de nombreux sujets, y compris des normes professionnelles, commercialisation, teneur, expositions actuelles, et toutes les autres choses d’art.

J’ai occupé divers postes dans ou fait du bénévolat pour chaque organisation. Par exemple, J’ai créé et co-présidé MAG (maintenant) annuelle ouverte Juried petits travaux montrent pour la première 7 de son 8 ans. J’ai été membre du conseil d’administration de MAG sur 15 ans. J’ai participé à un certain nombre de collecteurs de fonds à la fois Silvermine et CCP.

Je me sens très privilégié d’être impliqué dans ces communautés artistiques dynamiques. Ma participation à tous a connu une croissance exponentielle. L’exposition constante à l’art, idées, curiosité, défi, enquête et la créativité de ceux qui m’entourent encourager ma propre voix artistique.

6. Comment pouvez-vous développer un sentiment de communauté avec d’autres artistes, et comment voulez-vous soutenir vos collègues?

C’est important pour moi d’être un participant actif dans les communautés artistiques dont je fais partie. Pour moi, ce qui signifie non seulement le bénévolat au sein des organisations et des groupes, mais aussi d’être honnête et ouvert à partager mon propre travail, tout en soutenant mes collègues artistes. J’achète art quand je suis en mesure de, possibilités d’actions dont je suis au courant, et présenter les artistes à l’autre. Je donne du travail à quelques rares organisations d’art’ collectes de fonds, aller à ouvertures, poster sur ces, et participer à des forums de Facebook sur l’art, normes professionnelles, techniques, concept et de nombreux autres sujets d’art liées. Je ne me sens vraiment que le soutien d’autres artistes, se termine effectivement par me nourrir.

Et en parlant de “alimentation”…une de mes méthodes préférées de soutien implique “alimentation” littéralement. Larchmont a plusieurs magasins incroyables qui font une variété de gâteaux et chocolat, etc. Si, Je …euh…ont une propension à faire / envoyer vraiment délicieuses friandises (gâteau, chocolat, pâtisserie, pains) chaque fois qu’il ya la moindre excuse pour le faire. Et vraiment, qui ne bénéficie pas de et profiter un peu de quelque chose de sucré?

7. Avez-vous d’autres emplois autres que faire de l’art? Si c’est le cas, s’il vous plaît nous donner quelques détails.

Après avoir quitté la pratique du travail social, et des tests psychologiques, J’ai travaillé dans un magasin de bijoux haut de gamme d’un ami. Cette prise en charge ma pratique en studio pour environ 6 ans. J’ai aussi pu rencontrer des créateurs de bijoux très merveilleux, en apprendre davantage sur leur vision, processus et la création de la main de leur travail. Sur 18 il ya des mois, Je il a cessé de travailler pour me consacrer à mon art à temps plein. Je suis très chanceux d’avoir un mari et sa famille (trois enfants, dont deux sont hors de l’université et de vivre sur leur propre, et un troisième actuellement à l’université) qui sont un soutien incroyable de moi.

Je suis toujours reconnaissant à ce stade de ma vie, je n’ai pas à me soutenir avec mon art. Cela a été un énorme cadeau, et m’a donné une liberté incroyable pour poursuivre ce que je veux sans la contrainte d’avoir à gagner sa vie. Je suis parfaitement conscient que c’est un luxe que peu d’artistes jouissent. Cela étant dit, mon désir est de développer mon travail et ma pratique au point où je pouvais me soutenir si nécessaire, et d’appliquer les normes les plus élevées d’intégrité et de professionnalisme dans ma pratique artistique.

8. Autre chose?

J’ai une exposition solo maintenant à Silvermine Art Guild appelé “Liminaire Unis: Sous la surface”. Il appartient au 26 Octobre. J’espère avoir une vue de l’installation et une vidéo en boucle avec audio sur mon site bientôt. J’ai aussi un catalogue qui l’accompagne pour l’exposition.

Merci beaucoup pour l’opportunité de faire partie de votre série d’interviews de l’artiste.

Merci, Christine pour cet aperçu en vous et votre univers créatif!

site Web: www.christineaaron.com

Ré. Wigmore Fine Art, Inc, à l’Armory Show, New York, New York,Mars 8-11, 2012

Theo Chios, Tour, (1968), acrylique sur toile, 47 1/4 pouces x 47 1/4 pouces

Entrevue avec Gary Panter

PAR JILL CONNER


Untitled (Deux filles avec des armes à feu), 1996

Dans 2008 Gary Panter retourné la bande dessinée alternative vers le grand public avec “Piège de Daydream,”À l’Aldrich Museum, »Photos du Marais psychédélique, 1972-2001,”À la Galerie Clémentine, avec un 2 volumes catalogue raisonné couvrant son travail depuis le début des années 1970 et “Cola Madnes,»Qui présente les aventures actuelles de Jimbo. Avec “Dal Tokyo,”Mis à sortir en Octobre 2009, Panter continue de fasciner les fans et les téléspectateurs avec une facette de métro de la culture visuelle qui a prospéré en Amérique depuis le début du 20ème siècle.

Dans les années 1950, le gouvernement américain confondue la popularité de la bande dessinée avec la montée du communisme et a même accusé ces bandes de masse publié pour contribuer à la corruption de la culture de la jeunesse. L’Association Comic Magazine d’Amérique (ACAM) formée de façon à créer un nouvel ensemble de normes, connu comme le Code Comic, qui a fixé pour délimiter chaque artiste qui a travaillé dans l’industrie, enlever la liberté de création en faveur de l’édition structurée lignes de l’intrigue.

Même si Panter venu de l’âge dans l’Oklahoma après ces règles strictes ont été mises en place, il a commencé une carrière prolifique dans les années 1960 qui a embrassé tout ce que l’ACAM était contre. Sa carrière a culminé par la suite dans les années 1980 quand il a créé Emmy Award-winning décors de l’émission de télévision, “Playhouse Pee Wee,»Qui s’est déroulé du 1986 à 1991. Cependant, plus récemment Panter s’est montré comme un artiste qui continue à travailler dans un éventail de médias comme la peinture, gravure, la lumière et la musique.

Jill Conner: Dans sa jeunesse des années 1950, quand avez-vous pris conscience de la Comics Code?

Gary Panter: Je pense que de références à lui dans le magazine Mad.

JC: Le code a été créé par l’Association of America Comics Magazine sur l’hypothèse que la bande dessinée de la première moitié du 20e- siècle ont été corrompre la jeune génération. Sur la base de votre propre expérience, la précision est cette hypothèse?

GP: Je me souviens avoir vraiment surpris et effrayé et attiré pré-codes étranges horreur comique couvertures. Mais je ne pense pas que cela m’a fait mal, ou toute personne qui n’a pas déjà été perturbé. Ma fille lit des bandes dessinées d’horreur CE et je ne pense pas qu’il la blesse.

JC: Quel impact ces décisions politiques ont sur votre travail?

GP: Bandes dessinées obtenu mignon. Mon travail incorporé imagerie comique effrayant et mignon.

JC: Avez-vous créé une réponse particulière à la longue liste de règles que les artistes comiques devaient suivre?

GP: Pas.

JC: Votre carrière comique a décollé comme le punk rock contre-culture a commencé à prospérer à Los Angeles, Californie. Avez-vous fait la peinture il avant de passer à New York City?

GP: J’ai peint de grands tableaux depuis la fin des années 60 et continue à faire régulièrement des peintures. J’ai montré peintures à de nombreux espaces alternatifs à Los Angeles 1976 jusqu’à ce que 1985 quand j’ai déménagé à New York. J’ai fait beaucoup de couvertures d’albums pour les musiciens comme Frank Zappa, Red Hot Chili Peppers, Résidents, Chaka Khan, ainsi que des illustrations de magazines pour Rolling Stone et Time pour survivre et ont commencé à travailler avec Paul Reubens sur son stade Pee Wee Herman et projets de télévision.

J’ai commencé à avoir mon travail de récit comique humide et Slash magazines sur une base régulière à partir d’environ 1976. Alors que je vivais encore à Los Angeles, Art Spiegelman et Françoise Mouly commencé revue RAW à New York et ils ont commencé à publier mes dessins animés dans les années 80. Aussi dans les années 80 j’ai commencé à aller au Japon et de faire des conférences et des spectacles peinture. Je peins toujours et faire des bandes dessinées et aussi fais illustration, commandes de murales et de la conception.

Traffic, 2004

JC: When did you come to New York City and what was the underground comic scene like at that time?

GP: RAW magazine was going strong and there were a lot of experimental comics being done as part of the Lower East Side art scene. Many cities have their own community of cartoonists. At that time in New York, Art and Francoise, Mark Beyer, Charles Burns, Mark Newgarden, Kaz, John Holstrom, Ron Hauge, Mark Marek, David Sanlin and a lot of other artists were making very interesting graphic experiments.

JC: Did you move to New York City with the hopes of becoming an artist for one of the larger comic conglomerates, or was it more for an individual art career?

GP: Comics is something I love to do, but it is one of several personal art activities. I do painting, gravure, light shows and drawings in sketchbooks. It’s another art activity. I have no interest in being part of mainstream comics. My cartoon work is experimental and does not fit into the mainstream comic world. Dans 1987 I was picked up by the Gracie Mansion Gallery and showed with her until it closed. I have shown with Sandra Gering and most recently Clementine Gallery in Chelsea.

JC: Which comic have you collaborated on with Jonathan Lethem?

GP: Omega the Unknown. Jonathan is a friend and I like his work a lot. That was probably the only time I will do a mainstream comic, because he had asked me to contribute to his series. So it is a novel thing for me.

JC: Your father, as I understand it, was an artist. What kind of work did he make? How did you find yourself responding to it?

GP: My father is 80 years old and lives in Texas with my mom. He paints very imaginative Cowboy and Indian paintings and has all my life. I love his work. There is nothing like it. He ran a dime store when I was a kid and they had comic books.

But what really got me drawing comics was the super experimental Hippie comics of the 60s like ZAP comics by R. Crumb and Robert Williams and other young rebel artists.

JC: Given your shows at Clementine Gallery and the Aldrich Museum, do you think that underground comics has finally arrived? Or will it soon become a victim of conspicuous consumption?

GP: There is a growing number of adults reading comics in the US and new generations of cartoonists writing for them and making comics of a high literary character. One welcome happening in the narrative graphic art world is the number if women who are making personal and literary comics, which was not the case 20 il ya des années.

JC: Who could you say has been a strong inspiration for your work?

GP: Eduardo Paolozzi, David Hockney. Oyvind Falstrom, Jim Nutt, Karl Wirsum, Cal Schenkel, Jean Dubuffet. Peter Saul. H. C Westerman. Bruce Nauman, Ed Ruscha.

JC: The Aldrich Museum exhibited your work in 3 parties: sketchbooks, paintings and music. How does your music connect to the visually rich side your art?

GP: My music is collaged a lot like my visual work is made.

Where Was the Airforce? 2001

JC: When I saw some of your drawings at the now-defunct Black Cat Gallery, I only saw a vague connection between the content seen in “Pee-Wee’s Playhouse,” and that seen in your prints. Do you feel that the design of the stage sets diverged dramatically from your own, personal style?

GP: I was not trying to make Pee Wee’s playhouse look like my work. It was a fantasy bachelor pad for a super nerd. We put lots of pop art and painting references in the set.

JC: You’ve mentioned growing up in a missionary environment, led by the Church of Christ, which you later pulled yourself out of. Did this shift away contribute to the tense, erratic line that surfaced in your comics?

GP: It took a long time to think my way out of the church, and I was stronger for it. Oui, it did contribute to the tension and apocalyptic aspect of my art.

JC: Is the Comics Code still as strong as it used to be? Graphic novels are now widely available and do not seem to be connected to a stringent set of stipulations.

GP: Mainstream comics, which I don’t see very often, tend to seem perverse and cruel to me, so maybe the CMAA is not enforcing anything any more.

JC: Do you think that comics are getting a renewed interest through the revival of street art? Supposedly the deregulation of internet communication has helped open things up more.

GP: Je ne sais pas, but I suspect current comic making and reading are a reaction to exclusive digital action, and related to all sorts of making art by hand activities going on. Of course a lot of comics are completely digital and are still then related to the move toward producer over the exclusive consumer.

Sarah Yeoman

Winter Pines Blanc, 17″ x 21″

“Pour moi, la poésie de la couleur et de la musique de la ligne sont le mieux exprimé à l’aquarelle en raison de son caractère imprévisible et ses qualités de transparence.”

Alimentée par son amour de la musique et un large éventail d’arts visuels, y compris la sculpture, Sarah Yeoman a finalement trouvé sa forte voix créative à l’aquarelle. Nourrie par la beauté naturelle du nord du Delaware et des montagnes Adirondack dans l’État de New York, elle est à l’écoute de l’humeur et l’esprit de la terre. Plutôt que de mettre sur papier une copie exacte du monde qu’elle observe, elle permet à ses peintures se développent naturellement — révélant la présence de l’artiste dans le processus — et, avec chaque peinture, elle invite le spectateur à entrer dans le récit et finir l’histoire.

Tomber Lumière, 22″ x 30″

Corneille Caucus, 22″ x 30″

L’enseignement est une partie intégrante de ce que Sarah est aussi un artiste. Elle donne des cours hebdomadaires dans son atelier ainsi que des ateliers thoughout le Nord-Est, guider et accompagner ses élèves à découvrir leurs propres chemins et expression visuelle unique. Ses peintures ont été membre du jury dans des musées et galeries spectacles dans le Delaware et en Pennsylvanie, et son travail est exposé au Hardcastle Galerie à Centreville, DE et à Abanakee Studios à Indian Lake, New York. Sarah est sur le bord de la société d’aquarelle de Philadelphie et a récemment été choisi comme l’un des maîtres quinze artistes de l’état du Delaware.

Les Blues de Homer, 22″ x 30″

Océan, 20″ x 30″

New York Festival du film asiatique 2012: Avis Roundup

Le Festival du film asiatique de New York a débuté la nuit dernière, et il continuera à Walter Reade Theater, Société japonaise, et Tribeca Cinemas à Juillet 15. Cliquez ici pour plus d’infos et pour acheter des billets.

Mon NYAFF 2012 l est maintenant plus à Film-Forward. Ci-dessous sont de brefs commentaires des films de nuit d’ouverture.

Guerre des flèches (Kim Han-min)

Un film en costumes de l’immédiateté à bout de souffle, Troisième long métrage de Kim emploie la guerre mandchou 1636, au cours de laquelle la dynastie des Qing de la Chine a envahi et asservi des centaines de milliers de Coréens, comme toile de fond pour des poursuites palpitantes et des scènes convaincantes de tir à l’arc. La seconde moitié du film est essentiellement une scène de poursuite prolongée, et la séquence d’ouverture frappe le sol en marche, comme un traître accusé est traqué et exécuté devant ses deux enfants, se cachant dans des autorités. Couper à 13 ans plus tard, et les deux frères et sœurs adultes jusqu’à Nam-Yi (Park Hae-il) et sa jeune sœur Ja-in (Lune Chae-won) ont été soulevées par des amis de leur père, avec Ja-in sur le point de se marier Seo-Goon (Kim Mu-Yeol), le fils de la famille. Nam-Yi gaspille ses jours dans le désespoir ivre plus jamais être marqués le fils d’un traître, et bien qu’il s’oppose avec véhémence au mariage de sa sœur, il est impuissant à empêcher. Le jour du mariage de sa sœur, sa famille a le malheur d’être directement dans le chemin des envahisseurs mandchous, et sa sœur, avec toute leur village, est capturé et asservi. Nam-Yi échappe au carnage et trouve un sens renouvelé de l’objectif dans l’accomplissement de directive de séparation de son père pour prendre soin de sa sœur, et poursuit sans relâche les envahisseurs pour sauver sa sœur. Debout dans son chemin est Jyu Shin-ta (Ryu Seung-Ryong), méthodique, tueur de sang-froid qui est à la tête d’une unité d’élite des troupes de la dynastie Qing. Ils poursuivent les uns les autres par procuration comme Shin-ta suit les traces de Nam-Yi de soldats mandchous tombés. C’est supérieur cinéma d’action dans tous les sens, avec prise de vue rapide comme les flèches qui s’élèvent tout au long de, et une simple, primal histoire héros et super-vilains-rendu avec la plaine et directe, fraîcheur et pourtant incroyablement élégant.

Banal (Pang Ho-cheung)

Réalisateur hongkongais Pang est souvent à son meilleur niveau en mode de la comédie de débauche (Men Suddenly In Black, OFF), et son dernier film Banal, Soirée d’ouverture du film de NYAFF, trouve lui tirer sur tous les cylindres. Basé, selon son directeur, sur les incidents réels dans l’industrie du film de Hong Kong, Pang a fait un film incroyablement sale qui réalise sa perversité uniquement par le dialogue, sans une trace de nudité … sans nudité humaine, de toute façon. En ce sens,, vous pouvez voir Pang comme la réponse de Hong Kong à Kevin Smith, sauf réel talent de cinéaste. Encadrée comme les souvenirs d’un opportuniste, producteur scrupules sans (Chapman To) filature contes vrai vie devant une classe d’étudiants de cinéma, BanalL ‘blagues et gags sont rapides et furieux, et ils ont tous atteint leurs objectifs. Un certain niveau de connaissance de l’industrie du film de Hong Kong, en particulier son secteur sur le sexe et la violence Catégorie III, seront nécessaires pour obtenir toutes les blagues. (Il aide surtout si vous avez vu le softcore récente saga HK 3D Sex and Zen: Extreme Ecstasy, Hiro Hayama dont l’étoile se joue ici). Tous les acteurs sont jeu, et se acquitter avec énergie de rivetage et de verve, comme ils naviguent ce monde des investisseurs triade, placement de produit, cuisine extrême, et comme la cerise sur le dessus hilarant, bestialité ivre (peut-être Commis 2 était une source d’inspiration ici?). Entre BanalL ‘nombreuses qualités délicieux est une fantastique performance d’évasion par Dada Chan comme un modèle / actrice en herbe concepteur / jeu vidéo nommé sucre pétillant, ainsi appelé parce que sa technique unique fellation. Elle prend ce qui, dans d’autres mains serait un rôle jetable et la transforme en une émouvante, et indique clairement qu’il existe une intelligence féroce derrière sa beauté pulchritudinous.

Omen Boxer (Kuei Chih-Hung)

Cette bizarre (pour le dire très légèrement) Shaw Brothers horreur / fantastique de production 1983 a un mince ruban d’un complot impliquant un homme (Philip Ko) qui voyage en Thaïlande pour se venger contre un kickboxer (Bolo Yeung) qui a tué son frère dans l’échelon lors d’un match. Mais c’est là que les choses deviennent bizarre: il va à un temple bouddhiste à obtenir l’aide des moines, et se fait prendre dans un bon et le mal bataille couvrant des siècles. C’est le type de film le terme «film de minuit” a été fait sur mesure pour. L’extrême, brut-out images – un personnage consomme sa propre nourriture régurgitée, qui est régurgité nouveau et fourré dans la bouche d’un cadavre, qui est ensuite cousu dans la peau d’un alligator – ne dégénère, avec la logique jamais scanter, à chaque minute de temps d’écran. Les chauves-souris, araignées, crânes avec leurs cerveaux réalisés dans la soupe, une femme écrit zombie (émergeant d’un cadavre d’alligator) qui est plus tard écorché et dissous dans asticots – tout cela et plus, tellement plus, sont jetés sur nous dans un assaut presque sadique sur les sens. Ajoutez à cela quelques scènes de sexe entièrement gratuites, et vous avez le genre de ce que-la-baise machin que vous ne trouverez à NYAFF.

Roy Colmer

Roy Colmer, le photographe qui a capturé plus de 3,000 Portes de New York au milieu des années 1970, passed away on January 24. Sa femme, Claudia, says that he’d been in poor health for months.

Année dernière, Je parlé avec Roy sur ses portes, une collection de balayage qui vous donne le vrai sens de la marche à travers la ville sur une journée moyenne, à un rythme soutenu, juste essayer d’obtenir quelque part. Les portes ne sont pas spéciaux, pas mis en place pour être admiré, à certains égards, à peine remarqué. Ils sont tout simplement.

de portes de New York

Comme expliqué Roy, “Je ne suis pas concerné par la rue en particulier, importance historique ou architecturale de la porte.” He was also not interested in creating anything that wasn’t simply there.

“Au milieu des années 1970,” dit-il, “personne n’a remarqué quand je photographiais la rue. Cela m’a donné un grand sentiment de liberté. Je ne voulais pas la tension ou drame à apparaître dans le projet.”

New York City, 1984 – 1986

Au-delà des portes, Roy a également photographié la les salles de cinéma et la vie de la rue de New York City. Dans 1988, il a reçu un Guggenheim pour ce travail. Certaines de ses photos de New York sont dans le Collection MOMA. Une poignée ont été recueillies dans un volume mince appelé New York City, 1984 – 1986.

Tandis que Printed Matter a mis un certain nombre de petits livres de son travail, n’y a pas eu de collecte Roy Colmer majeur publié. I’d say it’s about time.

À l’intérieur New York City, 1984 – 1986

Qween Amor

Vous pouvez avoir vu Qween Amor autour de la ville. Il / elle apparaît régulièrement aux rassemblements LGBT de l’homme, Slut Walks, et occupent des événements. S / il s ‘également un artiste de rue. Je l’ai vue pour la première fois sur la Saint-Sylvestre, dancing in the subway station at Union Square under a banner with the name Mary Magdalene.

Je ne m’arrête pas l’habitude de regarder les artistes de métro qui rassemblent des foules, but I could not take my eyes off Qween.

Vêtue d’une petite g-string (plus tard, un tutu rose), maille manches, et scintillant talons américain-drapeau, il / elle était cinétique, exubérant, et absolument hypnotique, ne rien faire de plus que la danse libre, tandis que lipsyncing de la musique. Pourtant venir sur Qween sentait comme remonter dans le temps, à une plus, sauvage de New York, où les catégories flou, limites fondent, and anything can happen. Je me sentais décaler l’intérieur, la tension et pressé s’estompent, faire de la place pour une sensation qui se sentait un peu comme la joie. Je laisse trois trains passent pendant que je regardais pour aussi longtemps que possible, eventually arriving late at my ultimate destination.

Merci à quelques amis Facebook qui m’a liés à Qween, I was able to get in touch and ask some questions.

Où venez-vous à l’origine, et ce qui vous a inspiré à danser dans le métro?

Je suis de la Floride, et il ya environ un an, j’ai eu quelques expériences qui ont conduit à une prise de conscience. J’ai senti la souffrance du monde, J’ai vécu le divin féminin (Christianisme de “diable”), et je suis venu pour savoir qui je suis après la rupture à travers ce petit ego de la mine, qui se glisse encore un peu jusqu’à. J’ai remarqué beaucoup de choses qui se passent dans le monde et j’ai aussi remarqué une génération d’apathie. J’ai donc décidé que peut-être il n’ya pas beaucoup que je pouvais faire pour changer tout faux avec le monde (pauvreté, itinérance, intolérance, etc), mais je ne pouvais utiliser la musique comme une voix. La plupart des expériences que j’ai eues étaient directement liés à la musique. La musique est une forme de communication. Alors, quand je joue, je tente de laisser cela être reconnu–que je ne suis pas seulement danser, mais aussi parler. Quand j’ai quitté la Floride je savais que je voulais pour répandre l’amour, et je voulais prêcher l’aide de la musique, because the music will allow me to speak to the hearts of people rather than just their minds.

Comment identifiez-vous en termes d’identité de genre? Qu’est-ce pronom préférez-vous?

Vraiment, je préfère S / il. Je tiens à identifier avec les deux sexes. This pseudo war between masculinity and femininity is a bit overrated and I like to embrace both aspects of sexuality within myself.

Comment les gens ont réagi à votre danse? Quand je vous ai vu, beaucoup de gens ont été un grand temps, souriant, et le sentiment de joie. Avez-vous déjà reçu une réponse négative?

La plupart des gens réagissent de façon positive, mais je ne tombe sur des gens qui sont juste très ignorants comme ce gars: “Qween Amor agressée.” Mais la plupart du temps, les gens qui n’aiment pas juste hochent la tête et à pied. Certains gars font vraiment étrange chose où ils tournent leurs doigts dans la forme d’un pistolet et le diriger vers moi…et je ne comprends pas très bien pourquoi ils le font, it’s really weird.

C’est affreux. Cela se produit à New York ou d’autres endroits?

Dans DC, quand j’ai commencé à danser à Columbia Heights, petits enfants sur 11-12 vieux ans serait jeter des œufs et quelques centimes à moi, LOL. Je pense que les New-Yorkais sont plus ouverts à la liberté d’expression que la plupart des gens. Vous avez ignorance partout, mais je reçois beaucoup de soutien ici à New York et qui me rend heureux. Most people I meet here are super friendly.

A la NYPD jamais donné la difficulté pour la danse dans un g-string?

Curieusement, le string n’est pas l’exposition indécente. Je ne suis pas en difficulté à cette. Je reçois en difficulté pour jouer de la musique. J’ai été arrêté à plusieurs reprises et j’ai eu mon ampli prise. It’s crazy.

Quelle musique vous inspire le plus?

Eh bien Madonna abord et avant tout. C’est comme si elle me chante. Quand j’ai commencé à se réveiller, La musique est devenue une révélation. C’était comme si les anges appelaient mon nom, donc je répondis. Peut-être que ce n’est pas réel, mais pour moi,, il se sent réel. Florence and the Machine, Lady Gaga, Alanis Morissette, Reine (très certainement Reine, Reine, Reine tout le chemin). J’aime la Reine. Freddie Mercury est un putain de vrai héros. J’aime beaucoup de rock classique. Des choses comme “Continuer sur mon fils rétif,” “Frapper à la porte du ciel,” “Dream On.” J’aime Devil Music. It’s as if music was specifically created for the Devil to tell the world who s/he is.

La musique n’est pas seulement le divertissement plus. C’est un mode de vie, c’est une forme de communication, c’est une langue. C’est une vibration, une énergie. Je suis capable d’incarner cette musique et de présenter ces émotions, au point où je suis la Musique. Quand je danse, il n’ya pas de séparation entre moi et la musique. We are one.

Quelle est la prochaine pour la Qween?

Bien, Je vais avoir à la dure ici à New York jusqu’à ce que je peux obtenir de l’argent que je dois acheter un van. Mon but ultime est maintenant juste à voyager à travers le pays et danser un peu partout. Je veux répandre autant d’amour que je pourrai. J’ai récemment juste eu une chambre dans le Bronx, mais je ne peux pas rester là, ce n’est pas un bon environnement pour moi, il est donc de retour à la station de métro pour moi, LOL. Je veux vraiment le faire pour la Californie et danse sur la côte ouest. A partir de San Diego tout le chemin à Seattle. Je ne peux pas le faire sans un van. J’ai entendu dire que dormir dans les parcs en Californie allons vous arrêté et je n’ai pas le temps pour ça. J’ai beaucoup de spectacles que je veux faire, et des déclarations que je veux faire, mais je ne peux pas faire de ce moment. So right now I’m just kind of surviving until I can start making things happen.

QUEEN AMORE à partir de Le Cap Rogue sur Vimeo.

Vous pouvez aider Qween Amor par donner de l’argent ici. Chaque petit geste compte. Vous pouvez également suivre sur Qween Facebook et Gazouillement.

Business Daily norvégien

Journaliste Morten Bertelsen m’a interviewé pour le Décembre 27 édition du journal Business Daily norvégien Le marché d’aujourd’hui. L’article est intitulé “Le crochet de la porte de vieux New York,” comment “New York est devenu le nouveau Dubaï sous le maire Bloomberg croit les critiques.” (Comme traduite par Google.)

“Le crochet est à la porte” est une expression utilisée quand quelque chose arrive à son terme, comme fermer boutique et de mettre le crochet sur la porte. So the old New York has closed up shop.

L’article se concentre sur l’accaparement des terres de la ville de Willets Point, dans le Queens. “Un vol!” dit 81-year-old Joseph Ardizzone, le seul résident de Willets Point d’. “Un vol en plein jour. Bloomberg voler propriétés clients pour leur donner les amis milliardaires son afin qu’ils puissent construire un centre commercial et un casino ici. Casino!” (Également via Google traducteur.)

Ici, je suis en norvégien:

Et Google traduit:

“Une sorte de Dubaï”
Le maire Michael Bloomberg descendre à Nouvel An. Il a changé de New York au cours de sa 12 année. Les critiques disent que le pire. – Bloomberg a fait de New York à une sorte de Dubaï, un luxe qui pourrait couché où tout moment avec ses magasins de la chaîne sans fin et un nombre croissant de mentalité de banlieue, dit Jérémie Moss. L’auteur documente le blog de transformation “Vanishing New York.” Ce n’est pas seulement sur la nostalgie, but also a city with increasing differences.

Moss n’est pas le seul à regarder ce. Le nouveau maire, Démocrate Bill de Blasio, appelé automne article du New York de deux villes – les riches et les pauvres, où l’écart ne fait qu’augmenter. Il était 74 pour cent des voix. – New York est radicalement changé sous Bloomberg. Il a dit dès le début qu’il avait vu la ville comme un produit de luxe, et voulaient que les milliardaires du monde entier se régler ici. Alors, il a décidé de créer la ville, dit Moss. 40 pour cent de la superficie de la ville est sous rezoné Bloomberg. Beaucoup de la 40,000 nouveaux bâtiments sont luxueux gratte-ciel et les gratte-ciel. Les gens de l’équipe socio-économique plus élevé a repris les anciens bastions de travail.

- D’innombrables petites entreprises, qui s’est bien passé pendant des décennies, ont été forcés de quitter. Les loyers ont grimpé. Dans certains endroits, ils étaient dix fois. Des quartiers entiers ont été détruits et reconstruits presque pendant la nuit, terrains de jeux et courses pour les super-riches, dit Moss. Le vieux quartier d’abattage est peut-être l’exemple le plus flagrant, estime Moss. Le record a été Meatpacking District transformé en un blanc Aker Brygge aveugle. Les vieux quartiers de Greenwich Village – Contre-les décennies de stronghold – souvenirs aujourd’hui environ Bogstadsveien Oslo. Even dirty Bowery on the east side of the island washed slowly away.